PERFORMANCE 200615
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SoloAgorà, Arogno – SwitzerlandLive performance, 40 minutesCharcoal, oil painting, chalk on canvas (210 x 400 cm)Crushing sound serie #1140 minutes / © Chrétien |
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PERFORMANCE 111012
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SoloLista Office, Fribourg / Matran – SwitzerlandLive performance, 55 minutesCharcoal and pigments on canvas (220 x 400 cm) |
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PERFORMANCE 110812
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SoloIl Rivellino Art Gallery, Locarno – SwitzerlandLive performance, 30 minutesCharcoal and pigments on canvas (200 x 400 cm)
[esplayer url="http://www.anthonychretien.net/blog/wp-content/uploads/audio/AC-PERFORMANCE200512.mp3" width="100" height="100" shadow_size="0" shadow_color="shadow color" duration="31:44.00" vp="-150px" autoplay="false" title=”PERFORMANCE200512”seriesplaybutton="false" sid="grouping ID for continuous playing"]Crushing sound serie #0932 minutes / © Chrétien |
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PERFORMANCE 200512
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SoloGalerie Harteveld, Murten – SwitzerlandLive performance, 35 minutesCharcoal and pigments on canvas (220 x 400 cm) |
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PERFORMANCE 200512 – Live performance 30 minutes – canvas 400×220 cm |
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PERFORMANCE 300911
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Chétien – Bettini Srisa contemporary art gallery, Firenze – ItalyLive performance, 40 minutesCharcoal and pigments on canvas (200 x 400 cm) |
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The duo performance captures the physical act of drawing with anelaborated sound recording of Chretien’s charcoal drawing. This improvised drawing is created in front of an audience of spectators and accompanied by a work in sound by Bettini that is improvised and elaborated in conjunction with the drawing. DVD “Il ritorno del traccio” (Performance 30.09.11) included with the Raffaele Scolari’s essay:”Filosofia di una performance”. Ed.Mimesis & ELR |
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Under the gaze of the audience that is following the performance on a live video feed, the performer Anthony Chretien, using charcoal, draws his works on the canvas below him, while his feet are slowly eroding the image he is creating. This is not a new practice: many artists before him have publicly destroyed their works. Creation and destruction become one unified act. Though not implicit, this work reminds us of the Buddhist monk’s destruction of their elaborate mandalas. These elaborate and meticulously created images are destroyed upon completion. The world does not suffer for the destruction of one work, but there is a clear uneasiness that is felt in watching the destruction of an artwork, especially one that uses images. It is though, somewhere deep within us, there exists an ancient and pervasive resistance to iconoclasm. The physical gesture of the artist thrashing at the canvas is lived as an act of furor, self-mutilation, annihilation; one that is more impotent than potent, one that has taken form and place, which has been– as is taught by the neurosciences – and has left a trace. Every action is recorded digitally by the video camera ; the work then passes from canvas to video. The artist, Chretien’s act of erasing and destruction does not exist, it is enacted but it does not, in actuality, happen. The creation and subsequent erasure are thus only a part of the work. The work is completed in its duplication. The final product is a work of video art. |
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For this work the artist, Chretien has collaborated with the musician Guy Bettini, who accompanies and follows the work with a composition that he has elaborated from the sounds he has extracted from the work itself. Bettini elaborates his musical composition in real time, capturing, amplifying, modulating and condensing the sounds that are captured by the microscopic microphone attached to the wrist of the artist. The sounds produced are those of the movements of the charcoal and artist across the large canvas stretched on the floor. The software used by Bettini allows him to stock the sounds he captures and use and reuse them throughout the musical composition. This produces a “ritorno del tracciato”, (a revisiting of the traces from the past) : past sounds created from the trace of a movement are mixed with those that proceeded it, they return amplified, elaborated and modulated. They overlap the sounds, that produced by the artist in the present, are mixed with those of the past. The recorded sounds do not allow the drawing to elude us. None of the sounds goes unregistered and each returns enveloping and embracing the visual composition with a product of its own making. |
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What is there to say of a work that, in its own undoing, finds its form? Art does not necessitate our comprehension to exist, yet as in any human undertaking the desire to be understood can not be eluded. It can not escape the external discourse that seeks to make of it a object of reflection and contemplation. Art is not but art alone, it is the world; an object in the middle of things; an act amidst actions. This work calls into question the significance of an artistic experience such as that proposed by Chretien and Bettini, a work that is at once creating and destroying, that in an effort to elude permanence, stages its own elimination. Raffaele Scolari |
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PERFORMANCE 110811
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Chétien – Bettini Casa Scolari, Gordemo – SwitzerlandLive performance, 35 minutesCharcoal and pigments on canvas (170 x 300 cm) |
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PERFORMANCE 210511
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Gen Atem vs. Anthony Chrétien #01il Rivellino art gallery, locarno switzerlandLive performance, 45 minutesMixe media on canvas (200 x 700 cm)
[esplayer url="http://www.anthonychretien.net/blog/wp-content/uploads/audio/AC-SENZATITOLO190608.mp3" width="100" height="100" shadow_size="0" shadow_color="shadow color" duration="25:15.34" vp="-150px" autoplay="false" title=”Senza titolo 190608”seriesplaybutton="false" sid="grouping ID for continuous playing"]Crushing sound serie #0845 minutes / © Chrétien |
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Gen Atem vs Chrétien #01 – Live performance 45 minutes – canvas 700x200cm / More photos on: www.genatem.com |
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PERFORMANCE 300411
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soloL’Espace, Locarno – SwitzerlandLive performance, 35 minutesCharcoal on canvas (170 x 300 cm) |
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PERFORMANCE 150411
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soloIl Rivellino Art gallery, Locarno – SwitzerlandLive performance, 40 minutesCharcoal and pigments on canvas (170 x 350 cm) |
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PERFORMANCE 120311
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soloIl Rivellino Art gallery, Locarno – SwitzerlandLive performance, 40 minutesCharcoal and pigments on canvas (170 x 350 cm) |
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Le performer Anthony Chrétien dessine ses œuvres au fusain puis, sous les yeux du spectateur qui regarde sa vidéo, il les efface avec les pieds, il les réduit à néant. Cette pratique n’a rien de nouveau : de nombreux artistes avant lui ont détruit leurs œuvres en public. Création et destruction fondues en un acte unique. Telle pratique peut rappeler la destruction rituelle que les moines bouddhistes font de leur mandala au terme de sa laborieuse création, mais à mon avis une telle référence revêt bien peu d’importance ici.
Dans un carnet de pensées et de poèmes, Robert Schumann exprime son aversion envers ceux qui détruisent leurs propres œuvres :
“ Au fond, cette manière de dire « je l’ai jetée au poêle » cache une modestie bien impudente : pour une œuvre ratée, le monde ne sera pas malheureux à ce point… ”
Le monde ne souffre pas tant que cela pour un travail jeté au feu, mais probablement, dans le malaise que suscite en nous la destruction d’une œuvre – en particulier si elle est composée d’images – se manifeste une résistance, une antique aversion, profondément enracinée, envers l’iconoclasme et ses délires. Ce geste de l’artiste qui déchire la toile est vécu comme folie furieuse, automutilation, anéantissement plus impuissant que puissant de quelque chose qui a pris forme, qui qu’on le veuille ou non a été, a eu lieu et – comme l’enseignent aussi les neurosciences – a laissé une trace. |
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Dans l’action artistique de Chrétien l’effaçage n’a pas lieu à proprement parler ; il n’est que simulé, mis en scène. Toute l’action est enregistrée en vidéo, si bien que l’œuvre passe du plan de la toile à celui de l’enregistrement digital. L’acte de créer et l’acte d’effacer ne sont donc qu’une partie : l’œuvre est complétée par sa duplication, qui d’une certaine manière devient elle-même une œuvre d’art, une œuvre vidéo. C’est en effet ce qui ressort clairement de l’enregistrement projeté sur le sol de l’entrée de la LDV Art Gallery du Rivellino. En projection continue on voit l’artiste filmé de haut qui dessine son œuvre pour ensuite l’effacer. Tête et queue se joignent, la fin devient début et inversement, donnant lieu – en tout cas pour ce qui concerne l’apparence – à une sorte de perpetuum artistique, une rotation à vide de l’acte créatif. En termes philosophiques on pourrait dire qu’ici se déploie une mauvaise infinité : celle du toujours pareil s’additionnant au toujours pareil. Mais, comme on l’a vu, il n’en est pas ainsi, parce que l’œuvre est ce tout composé (création, destruction, enregistrement) dont nous sommes les spectateurs. Voilà pour le cadre général, extérieur, de l’œuvre. Celle-ci demande qu’on y entre, et elle le fait aussi par le fait qu’elle a introjeté et intégré sa duplication. Ce n’est pas ici une question de reproductibilité de l’œuvre d’art : l’opération technique de l’enregistrement vidéo réalise un élément qui joue comme composant du travail au même niveau que les matériaux, au même niveau que |
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l’inquiétant acte de créer et d’effacer, au même niveau que cette sorte de danse de l’artiste tandis qu’il dessine se déplaçant d’avant en arrière sur la toile. En d’autres termes, la duplication n’est pas ce à quoi l’œuvre tend, n’est pas ce qu’elle vise.
Entrer dans l’œuvre signifie s’orienter dans les éléments qui la composent, c’est-à-dire les voir distinctement. Nous voyons la toile blanche, et puis l’artiste qui marche dessus et commence à tracer des signes. Le cadrage en plongée donne l’impression que ce qu’il dessine jaillit d’en bas, se retrouve pour ainsi dire tiré vers le haut. Je suis tout particulièrement frappé par ses pieds qui se posent avec précision dans les espaces encore blancs entre le noir des lignes, des courbes et les nuances, comme si les surfaces blanches étaient des îles plates et celles dessinées étaient des creux et des cavités. L’œuvre s’épaissit progressivement en délimitant des paysages, des parcours et des lieux incongrus et parmi eux des pauses et des fuites, des clairières et des impasses, des désirs et des cauchemars, des découvertes et des pièges. Comme il arrive généralement en face d’œuvres d’art qui exaspèrent et supplantent la figuration, ici aussi on assiste à la production d’une sorte de graphique de l’inconscient. Si l’œuvre se limite à cela, si elle se contente de raconter la pure subjectivité qui la déclenche, alors elle échoue, elle devient acte gratuit et solipsiste. |
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Toute destruction, tout effaçage, tout autodafé artistique est de l’ordre du solipsisme, c’est-à-dire de l’arbitraire et du volontarisme impuissant. L’œuvre doit se raconter, raconter son propre récit, la façon dont elle se donne une forme, se déforme, s’efface.Raffaele Scolari Extrait de l’essai “Philosophie d’une performance”Ed.Mimesis & ELR |
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PATTERN CORPUS #02
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soloCentro Elisarion, Minusio – SwitzerlandLive performance, 30 minutesSound & videoCharcoal on canvas (400x 400 cm) |
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Tracer, inventer, des boucles sonores ou visuelles : impliquer son corps dans le tracé des boucles, l’arrondir. Maintenant, la salle est circulaire, la feuille posée sur le sol aussi : ce sont deux tours de plus, passant l’un dans l’autre, les deux accompagnant les boucles du tracé, du regard, et du son. Tout se tient, et en même temps, chute : les boucles sont ouvertes, elles ne se rejoignent pas, mais partent en spirales, s’enfuient sur place. Elles dessinent des abîmes laissant le corps de l’artiste en suspension au-dessus d’eux, comme si un ensemble de gestes horizontaux préparaient le plongeon qui seul peut donner au sens sa dimension verticale. |
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L’enchevêtrement des arrondis, dans d’autres séries ou performances d’Anthony Chrétien, comme Senza Titolo, dessine des corps, celui d’une femme nue par exemple. On devine alors sans mal les courbes des cuisses, des seins, des épaules, et quand les membres sont dissociés, épars, ils sont tout aussi bien reliés par toutes les boucles passant à proximité des mêmes points. Ceux-ci deviennent les creux du corps : ainsi est laissée à l’épaisseur du fusain le soin de l’équilibre du sujet, tout comme celui de la focalisation du désir. Les dessins peuvent être présentés pour eux-mêmes, mais le tracé est de plus en plus indissociable de celui qui le trace, et qui est filmé à l’œuvre, quelquefois en plongée. Ainsi le corps de l’artiste, qui nécessairement, danse en traçant, est comme projeté sur la feuille, et le dessin est renvoyé à sa valeur constante d’autoportrait : de l’artiste en femme, ou d’un corps au fusain (tenant le fusain autant que dessiné par lui). Le corps dessinant/dessiné semble suivre, en boucle, le trait qui le rapproche, non seulement d’un autre sexe, mais aussi d’une autre vie organique : irrésistiblement, les courbes livrent les contours d’une aile de papillon ou s’enroulent en escargots avec une précision digne d’une empreinte de fossile. Quand il semble que le dessin tend à ne plus rien représenter, comme c’est le cas dans les performances Pattern Corpus, il s’avère que son souci n’a jamais été celui de la représentation, mais bien celui d’une exploration indéfinie des cercles que permet le corps de l’artiste dans ses gestes les plus rapides ou les plus amples, si bien que les courbes restent organiques. La tension du désir demeure aussi ce qu’elle est : le dessin est toujours ce que le corps (dessinant/dessiné) atteint dans un effort infini qui le dissocie en formes finies mais diverses, ou le fait chuter en spirale. |
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Tracer, inventer, des boucles sonores ou visuelles… l’écoute et la vue font aussi une boucle : l’œil, si visible dans les dessins d’Anthony Chrétien, est déjà la double intersection de deux courbes inversées, renforcée par d’autres courbes, et l’oreille s’enroule comme un escargot pour faire entrer le son en spirale (dans certaines figures dessinées, c’est le bras qui s’enroule autour de la tête comme une vaste oreille entourant un œil). Entre eux, œil et oreille, pas de sens commun, de grand puits central où les données se mélangeraient : mais bien plutôt l’espacement même du corps, sentant différemment avec des sens différents, se sentant dessiné organe par organe, partes extra partes (œil par-ci, oreille par-là, cuisses, ventres, ou simplement courbes indéfinissables : cela reste une énumération organique, sensible, voire désirante, telle qu’elle suffisait à Picasso pour définir le dessin). Cette sensibilité est immédiatement exposée, le corps n’est que son exposition, si bien que ce qui est de l’ordre de l’expérience intime est en même temps une ex-périence communicable. Non seulement le corps de l’artiste se communique au dessin, trace ses courbes (masculines ou féminines, ou animales, ou abstraites, tout cela communique). Mais dans la mesure où le corpus d’Anthony Chrétien obéit au principe du work in progress, son geste communique aussi avec le spectateur : l’un voit ce que l’autre voit, entend ce qu’il entend, avance ou chute avec lui. Toutes les boucles sont ouvertes, c’est-à-dire aussi ouvertes à l’autre, pris dans les mêmes spirales, ou aussi bien libéré par elles. |
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Que veut dire : le spectateur voit ce que voit l’artiste ? D’abord, comme on l’a dit, il voit le dessin que l’artiste est en train de faire. Mais aussi, il ne voit que le corps de l’artiste, et non son visage. Dans les performances Pattern corpus Anthony Chrétien porte un masque qui lui donne une étrange tête de loup. Rien ne dit vraiment qu’il s’agisse d’un loup, mais cela en a la forme, et un masque n’a-t-il pas toujours quelque chose du loup ? Ce masque que l’on appelle habituellement loup couvre le visage mais laisse les yeux apparents, renforçant la puissance du regard. Mais un tour de plus fait que le loup cache aussi les yeux, même si l’artiste voit au travers. Cette disparition complète du visage laisse un inquiétant corpus s’exposer sur la feuille. Mais ce n’est pas tout. Pour voir ce que l’artiste voit, encore faut-il que le spectateur voie l’orientation de son regard. C’est encore un tour de plus, rendu possible par ce seul masque, qui ne s’allonge en un long museau de loup que pour contenir une petite caméra filmant en gros plan l’artiste caché. Un fil part en lacets, en boucles encore, vers un vidéoprojecteur qui fait apparaître ce regard, comme ce masque que l’on nomme loup, dans le dos du « loup », et le montre donc regarder (parfois s’épier lui-même) sans que lui ne se voit. Pour que le regard de l’artiste et celui du spectateur n’entrent pas en circuit fermé, il fallait cette étrange dissociation du corps masqué et du regard filmé, qui donne presque naissance à un nouvel être, un loup-garou en deux morceaux. |
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Ainsi, le grand corps à la fois uni et dissocié que forment les courbes organiques à la fois éparses et entrelacées sur la feuille est comme repris par le dispositif d’ensemble, incluant le visage projeté et le corps de l’artiste.Ces reprises tracent déjà une spirale vertigineuse. Mais un tour encore, et le spectateur entend bien, en boucle, ou comme on le dit, en loop, ce que l’artiste entend. Dans Pattern Corpus 01, la bande sonore livre une superposition de lignes rythmiques, qui répètent et accentuent des sons inhumains recueillis puis samplés, évoquant des cordes pincées, des percussions, des crissements, laissant parfois reconnaître des voix déformées. Cet environnement sonore n’est ni mélodique ni harmonique ; comparable en cela au masque (sans oreilles) de l’artiste, il interrompt toute tentative de communion entre les spectateurs, l’auteur et l’œuvre graphique. Malgré la face intime de la musique qui toujours pénètre les corps, qui communierait avec un loup-garou, même s’il pense entendre la même musique que lui ? La communication doit donc s’entendre autrement : elle passe par la dissociation du corps, du regard, du dessin et du son, lui-même éclaté et dissocié en une multiplicité de dimensions irréductibles. Autrement dit les sons doivent s’entendre partes extra partes, comment autant d’attaques ou de pulsations entraînant à chaque fois un geste imprévisible de l’artiste, et un nouveau trait au fusain. |
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Le dessin en train de se faire n’imite donc pas la musique, ne la rend pas visible, n’est pas non plus inspiré par elle : il la transpose ou l’expose dans un champ radicalement hétérogène à elle. Pour la première fois, dans Pattern Corpus II, le rapport s’inversera : la musique émanera directement du bruit du fusain sur la feuille. Les ondes sonores seront comme de nouvelles boucles libérant le geste d’un dernier asservissement à la bande d’enregistrement, et transposeront le tracé lui-même dans un milieu, celui du son, qui lui est radicalement hétérogène.Ainsi se renforce progressivement le lien qui fait tenir ensemble musique et dessin, et maintient dans un équilibre précaire l’artiste même, suspendu aux sons comme il l’est à ses traits : et ce lien, c’est le rythme, c’est-à-dire ce qui décide de l’espacement des sons et fait du tracé une danse. Il est fort possible que le rythme lui-même ménage des contretemps entre le tracé et son amplification sonore, accentuant de cette manière les effets de dissociation. Musique et dessin tendent ainsi à former de nouvelles boucles toujours ouvertes sur une dimension qui ne leur appartient pas, et de cette manière, s’entrelacent. |
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Tracer, inventer, des boucles sonores et visuelles : et finalement, les faire disparaître. Le fusain ne se fixe pas tout seul, le dessin qui vient de prendre forme est donc aussi fragile que l’image sur l’écran, aussi évanescent que le son. Son épaisseur est à peine déposée sur la feuille, et c’est dans l’effacement que son volume se signale, une dernière fois, c’est-à-dire aussi au moment où disparaissent ces spirales sur lesquels le corps de l’artiste se maintenait en équilibre, justement pour ne pas les effacer trop vite. L’effacement est une conclusion à la fois logique et inversée du dessin, la même chose que la chute, ou la fugue animale : si le masque signalait déjà aussi une réserve, un retrait de l’artiste dans l’exposition même de son corps comme de son dessin (on ne le voit pas plus qu’il ne se voit lui-même), le loup-garou s’en va en emportant son œuvre, sans autre forme de procès. Il devient impossible de dénier à l’animal, que l’on croyait peut-être attaché par le museau d’où part le fil menant au vidéoprojecteur, cette capacité à s’enfuir en effaçant ses traces. La performance joue donc encore un tour en se finissant, en ne laissant derrière ou devant elle que la possibilité d’un recommencement, en boucle.
En boucle – Les performances Pattern Corpus
Jérôme Lèbre, Paris, le 7 novembre 2010 |
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PATTERN CORPUS #01
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SoloMya Lurgo Gallery, Losone SwitzerlandLive performance, 30 minutesSound & videoCharcoal on paper (150 x 350 cm)
[esplayer url="http://www.anthonychretien.net/blog/wp-content/uploads/audio/AC-PATTERNCORPUS01.mp3" width="100" height="100" shadow_size="0" shadow_color="shadow color" duration="25:15.34" vp="-150px" autoplay="false" title=”Senza titolo 190608”seriesplaybutton="false" sid="grouping ID for continuous playing"]Crushing sound serie #0730 minutes / © Chrétien |
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PERFORMANCE 190608
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soloLa Fabbrica, Losone – SwitzerlandLive performance, 46 minutesSound & videoCharcoal & pigment on paper (150 x 350 cm) |
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PERFORMANCE 220508
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Solo & Music LiveLa Fabbrica, Losone switzerlandLive performance, 55minutesSound & videoCharcoal & pigment on paper (150 x 350 cm) |
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PERFORMANCE 240408
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soloLa Fabbrica, Losone – SwitzerlandLive performance, 49 minutesSound & videoCharcoal on paper (150 x 350 cm) |
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PERFORMANCE 270308
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Duo with Paula Turcas (soprano)La Fabbrica, Losone switzerlandLive performance, 45 minutesSound & videoCharcoal on paper (150 x 350 cm)
[esplayer url="http://www.anthonychretien.net/blog/wp-content/uploads/audio/SENZA TITOLO 270308-PAULA_TURCAS.mp3" width="100" height="100" shadow_size="0" shadow_color="shadow color" duration="25:15.34" vp="-150px" autoplay="false" title=”Senza titolo 190608”seriesplaybutton="false" sid="grouping ID for continuous playing"]Crushing sound & Turcas serie #0545 minutes / © Chrétien |
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PERFORMANCE 280208
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soloLa Fabbrica, Losone – SwitzerlandLive performance, 38 minutesSound & videoCharcoal on paper (150 x 350 cm) |
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PERFORMANCE 310108
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DuoLa Fabbrica, Losone – SwitzerlandLive performance, 28 minutesSound & videoCharcoal on paper (150 x 350 cm) |
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PERFORMANCE 301107
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soloLa Fabbrica, Losone – SwitzerlandLive performance, 23 minutesSound & videoCharcoal on paper (150 x 350 cm)
[esplayer url="http://www.anthonychretien.net/blog/wp-content/uploads/audio/AC-SENZATITOLO301107.mp3" width="100" height="100" shadow_size="0" shadow_color="shadow color" duration="27:00.00" vp="-150px" autoplay="false" title=”Senza titolo 301107”seriesplaybutton="false" sid="grouping ID for continuous playing"]Crushing sound serie #0123 minutes / © Chrétien |
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CREDITS
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Photography[1] Klaus Sommer[2] Eloise Ghioni[3] Jacques Morard & Do Gotof[4] Lucia Adamo & Signe Prince Fleischmann[5] Do Gotof[6] Rebecca Olsen[7] Pyt [8] Laury Chrétien [9] Michel Villard
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